对白剪辑：通往看不见的艺术 29

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　　亚历山大洛夫（A| exandrov）'发表的"声音与影像"宣言。他们反对有声电影成为反映普通真实生活的工具，而应该通过新发展的蒙太奇（montage）艺术表达更多的含义。人们会天真地认为，电影声音的发展是因为少数苏联知识分子的怒吼而停滞，但事实上最反对革新的是电影制片厂。电影制片人正享受着好时光，他们很难想象发生任何改变。无声电影相对而言制作简单、成本低廉，制片厂已经为制作和发行无声电影在设备上投入了大量资金。同样，为影院重新装配声音系统所需的花费看上去高得让人不舒服而且没必要。另外，无声电影也不完全是无声的，也不像看起来那么廉价。通常无声电影放映时需要现场音效艺术家、
　　音乐家、歌唱家或演员来参与表演，所有这些人都要付钱雇用。制片厂对削减这些开销很感兴趣，最吸引他们的就是从音乐家入手。只要发明出一种技术，能伴随无声电影的播放利用机械装置演奏音乐片段，就能解雇每次放映时在一旁表演的电影管弦乐队，从而降低放映成本，而重放声轨是永远不会罢工的。
　　2.2.2有声电影
　　1926年，华纳兄弟娱乐公司（Warner Brothers）发行了艾伦·克罗斯兰（Alan Crosland）的《唐璜》（Don juan），采用了纽约爱乐交响乐团（New York philharmonic orchestra）演奏的大量音乐。
　　音乐是通过维他风系统同步还放的，至此，舞台已经准备好了，标准长度有声电影的商业发行即将到来。1927年10月，克罗斯兰的《爵士歌手》（The Jazz Singer）首映，这其实是一部标准的无声片，其中包含有几行对白，但它仍然取得了巨大的票房成功。不久，制片厂老板看着墙上的海报，开始加速电影声音制作和发行的进程。
　　拍摄和录制一部维他风电影就像制作一台现场广播节目。没有后期制作，每个场景中的所有声音-音效、画外对白、音乐等都必须现场录制。直到20世纪30年代叠录技术rerecording）成熟之前，任何形式的剪辑都是不可能的。
　　1929年，金·维多（King Vidor）在电影《哈利路亚》（Hallelujah！2）中，第一次采用了后期同步录音技术。拍摄过程从早期录音技术的严格限制中解脱出来，部分恢复了默片时期的自由和轻便。到了20世纪30年代中期，已经能不失真地混录好几条声轨。对白和其他声音的后期录音合成，开始缓解那些预测有声电影将不可避免地沦为自然主义电影的人们的担心。
　　声音仍是采用光学方法来录制，因此剪辑和管理录音声轨非常枯燥且费时。人们发明了小型罩子来降低摄影机的噪声，传声器变得更具指向性，光学声轨得到改进并逐渐标准化。1930年出现了声画同步套剪机，于是人们有了一种标准的、精确的方法来完成画面和光学声轨的套剪。1932年，一种在同步的画面轨和声轨上印制统一系列码的工艺被开发出来。"片边码（Edge numbering或 rubbering）"可帮助对胶片位置精确定位，可利用原始录音素材重新印制剪辑后的声轨。这套对工作样片和声音样片的编码系统几乎原封不动地保留至今。
　　1大卫·库克（David A Cook）。《叙事电影史》（A History of Narrative Film）（纽约：诺顿，1981，265-266页）。
　　2大卫·库克（David A Cook）。《叙事电影史》（A History of Narrative Film）（纽约：诺顿，库克，1981，268页）。